HOW TO

長きにわたって連載してきた「ザセツ君が行く！」も今回で最終回となりました！　等身大キャラとしてスタートしたザセツ君も紆余曲折ありましたが、いよいよバンドリーダーとして羽ばたきます。みなさんのこれからのギター／音楽人生も大きく羽ばたくよう願って、終わりの言葉といたします。長い間ありがとうございました！     【プロフィール】 左：ザセツ君　（本名: 財園寺せつ夫） 念願だった自分のリーダーバンド結成へと一歩前進！　バンド名も考えなくっちゃ！　ザッセ・ツェペリン、ホット・モット・ビリ・マヨネーズetc.　えっ！何か似てるって？　もうあきらめようかなァ(´Д｀ι) 右：ジョン先生 ザセツ君が通う高校の英語（グラマー）教師で、軽音部の顧問。名前だけで選んだ妻のヨーコには頭が上がらない自称・永遠の40歳。 解説／竹内一弘　マンガ／ Dobby.     ◉バンドのイメージを表すキーワードが抜けている 　君の頭の中には理想とするバンドサウンドがあるはずだ。それを明確にしておかないと色々なタイプの人が集まってきてしまうよ。 ◉「ベーシスト募集！」だけではわからない 　ベースが弾ければ誰でもいいってわけじゃないよね。君が求めるスタイルのベーシストを探すには具体的な表現を入れておく必要があるね。 ◉全国ヘ向けて発信しちゃったの？ 　音楽雑誌やインターネットを使ってメンバー募集。たくさんの応募があるかもしれないけど、ところで練習はどこでするのかな？   どこでメンバー募集をするかだけど、音楽雑誌やインターネットでは全国が対象になるので意外にも効率が悪い。そこでおすすめは、ずばりリハーサルスタジオや楽器店の掲示板に張り紙させてもらうことだ。 バンドをやっている人が集まる場所だし、リハーサルスタジオの店員さんは常連バンドの音楽性や技量を把握していることも多く「あのベーシストはおすすめだよ」とか「あのバンドのドラマーが新しいバンドに入りたがっていたよ」といった情報が得られることも多い。まずは、近所のリハーサルスタジオに個人練習（スタジオ代は安い）で通うなどして、店員さんと仲良くなることから始めてはどうだろう。     メンバー募集をわかりやすく書くためには、自分が応募する立場になって考えると良いぞ。ロックといってもスタイルは様々。でも、ジャンル名を入れておけばプレイスタイルもイメージできるよね。 「メタル」ならテクニカル系＆速弾きだろうし「ブルースロック」なら味のある渋いプレイってことが想像できる。ジャンル名はあくまで参考程度ではあるけど、書いておいたほうが理想に近いメンバーが集まりやすいだろう。     応募しようと思っている人が、君のバンドの音楽性を具体的にイメージでき、どんなメンバーを求めているかがわかるように、好きなバンドなどのキーワードをいくつか書いておくといいよ。あと、自分の年齢も書いておけば同世代の人が応募しやすくなるね。 それから、意外に大切なのが練習場所だ。バンドを始めると、ほとんどの場合はずっと同じリハーサルスタジオを利用することになるので、遠くに住んでいる人にとっては通うのが負担になり、いずれ辞めてしまうこともある。だから、練習する地域（駅名）も明記しておこう。...

みなさんこんにちは！ ちいぱんです。 前回まではベースの実践的なものをご紹介していましたが、 今回はベースを彩る音作り！ エフェクターについてご紹介できたらと思います。 エフェクターの種類や選び方など、始めてエフェクターを使用する方向けにお話しできたらと思います！ 解説・演奏・動画制作／ちいぱん   ◆この記事で学べること ・まず初めに、エフェクターとは？ ・ちいぱんオススメ！　エフェクター ・エフェクターを使った演奏例     ■ まず初めに、エフェクターとは？   エフェクターとは楽器の音色を変化させるための機材で、種類もたくさん存在します。 ジャンルを例としていくつか上げると ◎歪み系・・・ファズ、ディストーションなど ◎フィルター系・・・プリアンプ、ワウ ◎ダイナミクス系・・・コンプレッサー などがあり、この他にも多数存在します。 同じジャンルのエフェクターでも、メーカーによって特徴が違ったりもします。なので、実際にいろいろ試して弾いてみるのもオススメです。 エフェクターを使用することで、音の存在感を強めたり演奏の幅も広げることができるので、欲しい音によって選んでみると良いかと思います。     ■ ちいぱんオススメ！エフェクター   ジャンルや種類がたくさんあるのはわかったけど、まず初めに何を買ったら良いのだろう？ という方へオススメなエフェクターをご紹介します。...

クラシック音楽の名作を生み出した作曲家たちを、3分程度で読み切れる短い伝記としてご紹介します。しかし、どの人物もその人生を3分で語り尽くすことはできません。今回は代表的な9つの視点に絞ってご紹介しますが、より深く知ることで演奏にも大きな違いが生まれる瞬間があるでしょう。もしこの記事に物足りなさを感じたり、さらなる背景が知りたいと感じた場合、それは「学びの扉が開いた瞬間」とも言えます。ぜひご自身でさらに深く追求してみてください。 本シリーズでは、選曲や演奏に役立つ小さな手掛かりとなるように、そしてご自身の深い学びのきっかけとなるようご紹介していきます。第3回目で取り上げる作曲家は「ヨハン・シュトラウス2世」です。     1．ウィーン文化の象徴 ヨハン・シュトラウス2世(1825-1899)は、生まれ故郷であるオーストリアのウィーンを中心に活躍した作曲家・指揮者。生涯のほとんどをウィンナ・ワルツ、ポルカなどの作曲に捧げました。   2．音楽一家の出身 父親は「ワルツの父」と呼ばれたヨハン・シュトラウス1世、弟はヨーゼフ・シュトラウスという音楽一家。幼少期から音楽に囲まれて育ち、6歳で最初のワルツ「最初の思想」を作曲しました。   3．一度は音楽を捨てる 音楽家という不安定な職業につくことを父１世から反対され、一度は音楽を諦め商業を学びました。しかし音楽への情熱が再燃し、作曲活動を再開。父１世を上回る勢いを持ち、18歳という若さで音楽界に華々しくデビューしました。   4．舞踏会の音楽 シュトラウス2世の代表作『美しく青きドナウ』は、1867年に発表されウィーンを象徴する曲として世界的に愛されています。他にも『ウィーンの森の物語』『皇帝円舞曲』などよく知られたワルツを数多く生み出し、別名「ワルツ王」とよばれました。   5．シュトラウス2世のワルツ シュトラウスⅡ世のワルツは、豊かなオーケストレーションに加えて、反復・音の重なり・リズムに様々な手法が凝らされています。これにより、ただのダンス音楽としてだけではなく「鑑賞」にむけた芸術性の高さを兼ね備えていることが特徴です。   6．オペレッタの成功 シュトラウス2世は、オペレッタにも多大な貢献をし、名作『こうもり』『ウィーン気質』などが大ヒットしました。これらは今でも世界中で愛され、数多く演奏されています。   7．同世代からの評価 ヨハン・シュトラウス２世は、同時代に活躍した音楽家たちから高く評価されていました。なかでも注目すべきは、【ブラームスとワーグナー】【ブラームスとブルックナー】のように、当時音楽界を二分するほど対立していた作曲家が、どちらも同じく彼を絶賛していたことです。   8．華やかな結婚遍歴 シュトラウス2世は、3度の結婚を経験しています。1度目は11歳年上の「ヘンリエッテ」と、2度目は27歳下の歌手「アンゲリカ」と、3度目は35歳年下の「アデーレ」と結婚。彼にとって最後の結婚が１番幸せだったと言われています。   9．晩年と遺産 晩年は健康を害しながらも、作曲を続けました。シュトラウス2世の音楽はウィーンの伝統を現代にまで伝え、今なお多くの人々に愛されています。ウィーンの市立公園内に建てられた黄金の記念像は、その証とも言えるでしょう。...

１人でギターの練習をしていると、知らぬ間に間違ったやり方をしているなんてことがある。言葉は知っていても、実際にどうやるか分からなくて、「変なクセがついちゃった！」な~んて結果にもなりかねない。方向を間違うことはあっても努力だけは怠らないザセツ君と、ギター奏法の基礎を一緒に学んでいこう！     【プロフィール】 左：ザセツ君　（本名: 財園寺せつ夫） 音色作りにすっかりハマり、お母さんからも「アンタ上手くなったんじゃない？」と褒められた！　喜んだのもつかの間、町内の奥さまカラオケサークルの音響係にさせられちゃったよ( ﾟ´ Д｀ﾟ) 右：ジミ先生 物理の先生で科学部の顧問。エフェクター作りが趣味で、エレキのことはこの人に訊け！と評判。老けてみられるが実は27歳。日サロ通いが欠かせない。 解説／竹内一弘　マンガ／ Dobby.     エフェクターはその効果によってカテゴリーわけされている。空間系とは、残響音にかかわるエフェクターのことで、普通はディレイとリバーブを指す。これらを使うと音に距離感や臨場感を与えることができる。 ディレイとは音が遅れて反射すること。山で「ヤッホー！」と叫べば、少し遅れて「ヤッホー！」と返ってくるよね。これは、声が遠くにある山に反射している状態だ。これがディレイの基本。やっぱり、空間を表現していることがわかるよね。ディレイといえば昔は山びこディレイしかなかったが、現在のディレイはものすごく多機能だ。これらはギターアレンジそのものが激変するほどのパワーを秘めている。 リバーブは音の反響をシミュレートするもの。リビングルームやお風呂場、トンネルなど、場所が違えば音の反響が違うように、音が響く場所の広さを表現するエフェクターだ。ギタリストにとってのリバーブは、ギターアンプに内蔵されているスプリングリバーブがお馴染みだけど、エフェクターとしてはデジタルリバーブが主流で、ルーム、ホールなど様々な空間を設定することができる（図1）。     ディレイには通常3つのパラメーターが備わっている。各ツマミの役割は図2のとおりで、これは実際にエフェクターを触ればアッという間に理解できるほどシンプルだ。それぞれのツマミの効果を簡単に説明しよう。 エフェクトレベルは大きくするほど反射音がはっきり聴こえるようになる。エフェクトレベルを下げれば隠し味的な効果になり、上げれば原音との絡みによって反射音をフレーズの一部として組み込むことも可能。フィードバックは山びこの回数を指定するもので、上げるほどに空間の広さが表現できる。ディレイタイムは設定のキモになる部分だ。数値を下げれば原音に対しわずかな空間を与えることになり、音に厚みが増す。これはショートディレイと呼ばれる設定。ギターソロではディレイタイムを大きくして、広い空間を表現することもあるよ。 ディレイタイムは曲のテンポに合わせることが多い。例えば、8分音符、16分音符、付点8分音符の長さに設定するなど。曲のテンポに対する正確なディレイタイムを割り出す計算式はあるが、通常はそんな面倒なことはせず、タップテンポという機能を使う（図3）。これは、リズムに合わせて2回ペダルを踏めば自動的にディレイタイムが設定される機能だ（最近の多機能なデジタルディレイには搭載されていることが多い）。       ●ギターソロ ロングディレイ（8分音符以上の長さ）にするとギターソロに厚みが出て、かつ幻想的な空間の広がりが表現でき、少し奥に引っ込んだ音像になる。 ●ディレイをフレーズの一部にする 昔はアナログディレイしかなく、そのタイプは数値でディレイタイムを設定できなかったし、値もせいぜい4分音符程度が限界だった。しかし、現在はデジタルディレイが主流で、なかには40秒ものディレイタイムをもつ機種もある。緻密な設定が可能になったことでディレイ音をフレーズの一部として使う方法が一般的になったのだ。色々なディレイタイムで試行錯誤してほしいが、オススメはズバリ、付点8分音符。この設定にするとリズム的に面白いフレーズが生まれるぞ（譜例）。...

１人でギターの練習をしていると、知らぬ間に間違ったやり方をしているなんてことがある。言葉は知っていても、実際にどうやるか分からなくて、「変なクセがついちゃった！」な～んて結果にもなりかねない。方向を間違うことはあっても努力だけは怠らないザセツ君と、ギター奏法の基礎を一緒に学んでいこう！     【プロフィール】 左：ザセツ君　（本名: 財園寺せつ夫） 近所の幼稚園の節分イベントに鬼役でお手伝い。鬼のお面は得意の工作でかなりのクオリティ(≧▽≦)！　この格好でディストーションギターを弾いたら、ちびっ子たち驚くだろうなぁΨ(｀∀´)Ψ 右：ジミ先生 物理の先生で科学部の顧問。エフェクター作りが趣味で、エレキのことはこの人に訊け！と評判。老けてみられるが実は27歳。日サロ通いが欠かせない。 解説／竹内一弘　マンガ／ Dobby.     歪み系のエフェクターにはいくつかのタイプがある。ジャンルごとにも適した歪み方があり、個人の好みも関わってくるので、基礎知識として歪み系エフェクターの種類を把握しよう（図1）。 まずはファズ。これは猛烈に歪むタイプで、ピッキングの強弱はほとんど感じられなくなるほど。あまりにも強烈な歪みなので1曲を通して使うことはあまりなく、ソロやイントロなどワンポイントでの使用が多い。 ディストーションはハードロックやヘヴィメタルで好まれる強めの歪みが特徴で、歪み系の基本エフェクターともいえる。 オーバードライブは、チューブ（真空管）アンプの歪み方をモデルにしたもので、クランチ程度の軽めの歪みを得意とする。ブルースなどピッキングのニュアンスを重視するギタリストに好まれるタイプだ。 ブースターは単体ではあまり歪まないものが多いのだが、名前の通り、このエフェクターでギターからの信号を増幅してチューブアンプに入れることで、アンプ自体をドライブさせて歪みを得るものだ。ナチュラルな歪み方を重視するギタリストが好んで使う。     ディストーション系のほかにも色々なエフェクターがあり、それらを接続する順番は大体決まっているので、自分の持っているエフェクターがどの系列に入るのかを把握して、エフェクターを接続してみよう（図2）。 あくまでこれは一例であり、接続順を変えたからといって音がおかしくなるわけではないし、あえて定番の接続順を崩すことで面白い効果が得られることもある。まずはこの接続順で試してみよう。     ハードロックなどでは歪みとクリーンな音色を切り替えるのが基本。このスタイルは、アンプはクリーントーンが出る状態にしてエフェクターだけで歪みを作るようにすると、エフェクターのオン／オフだけで音色を切り替えられる（図3）。     基本的な考え方はディストーション系と同じだが、ここではチューブアンプとオーバードライブの組み合わせについて紹介しよう。 歪み系エフェクターは、チューブアンプのボリュームを上げたときに生じるプリアンプ部分の歪みをシミュレートすることからはじまった。つまり、チューブアンプはそれ単体で歪むのだ。そして、アンプを軽く歪ませた状態でも、ギターのボリュームを下げるとクリーントーンになるという特徴がある。歪み系エフェクターがなくてもすでに２種類のトーンが出せるわけ。そこにオーバードライブを加えると、強い歪み、軽い歪み、クリーントーンが出せる。 この３種類のトーンそれぞれに対し、ギターのボリューム操作やピッキングの強弱でさらに音色を変えるというのがチューブアンプとオーバードライブの典型的な使い方になる。Ex-1で歪み具合をチェックしてみよう。...

クラシック音楽の名作を生み出した作曲家たちを、3分程度で読み切れる短い伝記としてご紹介します。しかし、どの人物もその人生を3分で語り尽くすことはできません。今回は代表的な9つの視点に絞ってご紹介しますが、より深く知ることで演奏にも大きな違いが生まれる瞬間があるでしょう。もしこの記事に物足りなさを感じたり、さらなる背景が知りたいと感じた場合、それは「学びの扉が開いた瞬間」とも言えます。ぜひご自身でさらに深く追求してみてください。 本シリーズでは、選曲や演奏に役立つ小さな手掛かりとなるように、そしてご自身の深い学びのきっかけとなるようご紹介していきます。第２回目で取り上げる作曲家は「ジョルジュ・ビゼー」です。     1．誕生と家庭背景 ジョルジュ・ビゼー（1838-1875）は、フランスの作曲家。父はもとは理髪師でしたが、音楽好きで音楽家に転身し、声楽教師や作曲をしていました。母は音楽一家の生まれで、優秀なピアニスト。ビゼーも幼少期から音楽の才能を見せていました。   2．パリ音楽院での学び ビゼーは10歳を前に、一流の音楽家が通う名門「パリ音楽院」に入学しました。在学9年間の間に、ピアノ・オルガン・作曲を中心に音楽を学びました。ピアノやオルガンの演奏では賞を受賞するなど高い評価を受け、音楽院では優れた成績を収めました。   3．初期のオペラ作品 ビゼー最初のオペラは「ポロネーズ」(1855年)で、若き日に作曲しました。若いころは作曲家としてなかなか評価を受けることがなく、音楽業界での成功は遅れましたが、オペラを中心に活躍し徐々に名声を高めていきました。   4．代表作「カルメン」 1875年に初演されたビゼーの代表作 オペラ「カルメン」は、スペインを舞台にした情熱的な物語です。　初演当初はあまり評価されませんでしたが、現在では世界中で愛される名作です。   5．オペラ形式の革命 オペラ「カルメン」は革新的な音楽で自由奔放なヒロインを描いており、オペラの形式に大きな革命をもたらしました。しかし当時は従来の伝統的な形式を期待する観客が多かったため、それが初演の低い評価の要因となりました。   6．多才な作曲家 ビゼーはオペラを中心に活躍しましたが、交響曲、ピアノ曲などでもすぐれた作品を残しています。異国の雰囲気が感じられる、民族的な要素を取り入れた作風が特徴的です。   7．組曲「アルルの女」 「アルルの女」は、オペラ「カルメン」にならぶ代表作です。同名の短編小説『アルルの女』を上演するための付随音楽として作曲されました。一般的には、この付随音楽から編曲された2つの組曲が広く知られています。   8．早すぎた死 ビゼーは36歳という若さで病に倒れ、この世を去りました。それは代表作「カルメン」の初演から3か月後のことでした。そして初演の評価が低かった「カルメン」がその後大成功をおさめたのは、亡くなってから４か月後のウィーン公演でした。   9．作品の再評価...

１人でギターの練習をしていると、知らぬ間に間違ったやり方をしているなんてことがある。言葉は知っていても、実際にどうやるか分からなくて、「変なクセがついちゃった！」な～んて結果にもなりかねない。方向を間違うことはあっても努力だけは怠らないザセツ君と、ギター奏法の基礎を一緒に学んでいこう！     【プロフィール】 左：ザセツ君　（本名: 財園寺せつ夫） クリスマスプレゼントがまだまだ楽しみな高校一年ですが何か(￣^￣)　今年はチューナーを新調しようって思ってお願いしたんだけど。。なんでクール便で届くの？　えっ!?「マグロ（ツナ）」 右：ジミ先生 物理の先生で科学部の顧問。エフェクター作りが趣味で、エレキのことはこの人に訊け！と評判。老けてみられるが実は27歳。日サロ通いが欠かせない。 解説／竹内一弘　マンガ／ Dobby.       左手を思い通りに動かせるようになるとギターの腕も格段にアップする。そこで、今回のテーマは左手の強化。右ページに選りすぐりのエクササイズを用意したので、毎日弾いてトレーニングしよう。   ギターは毎日弾くことでテクニックが維持される。1日サボるとそれを取り戻すのに一週間かかるともいわれているので、強い意志をもって取り組んでほしい。   この手のエクササイズでは必ずメトロノームなどのリズムガイドに合わせて弾こう。リズムに変なクセがつくと修正することが困難だからだ。それから、指の運動だからといってあまりに機械的に弾かないことも大切だ。無表情なギターはつまらないからね。曲を弾くつもりで練習するのがコツ。   練習時は生音で構わないが、たまにはアンプ（シミュレーターでもOK）を通して弾くこと（図1）。エレキギターは開放弦が勝手に鳴るのでミュートが大切だが、生音ではミュートの加減がわからないからね。左手主体のエクササイズになるが、実はピッキングのトレーニングでもあるので、ピックの握り方、その力加減、角度、右手のフォームまで意識して、エクササイズしながら自分にとってのベストな弾き方を固めていこう。なお、Exに記した運指（指の指定）は、図2を参照のこと。           ▲まずは基本的なトレーニングから始めよう。左手は、一度押さえた指は弦が移動するまでは押さえたままにしておく。これは指を広げるための訓練にもなる。フレットのキワを押さえてクリアな音が出るように心がけよう。左右の手のタイミングを合わせることも意識したい。特に、後半の下行ラインは音が途切れないように要注意だ。一往復したら全体に1フレット上げて（6弦2フレットからスタート）、小指が12フレットに到達するまで続ける。         ▲Ex-1の発展形で、4本の指で5音の動きを自由に作る、なかなかハードなエクササイズ。図3の組み合わせ例を参考にして、自分の苦手パターンを作って集中的にトレーニングしよう。ひとつのパターンだけを練習していると次第に指が慣れてきてうまくなった気になるのだが、別のパターンを弾くと指がスムーズに動かないということもある。つまり、臨機応変にあらゆる運指に対応する瞬発力と、指の独立性を高めるエクササイズなのだ。         ▲薬指、小指それぞれ単体ではけっこう指は動くものだけど、この2本を組み合わせると途端に動きが鈍くなる。これは誰だってそうだ。机に手を置いて各指を1本ずつ上に上げてみよう。薬指だけあまりあがらないよね。ピアノの世界では薬指を“死に指”表現するほど思い通りに動かない。このエクササイズはそんな薬指を鍛えつつ、小指との独立性も高めるものだ。人差指は3弦5フレット、中指3弦6フレットを“押さえたまま”で弾こう（図4）。...

１人でギターの練習をしていると、知らぬ間に間違ったやり方をしているなんてことがある。言葉は知っていても、実際にどうやるか分からなくて、「変なクセがついちゃった！」な～んて結果にもなりかねない。方向を間違うことはあっても努力だけは怠らないザセツ君と、ギター奏法の基礎を一緒に学んでいこう！     【プロフィール】 左：ザセツ君　（本名: 財園寺せつ夫） 遠足といえばお弁当。最近はキャラ弁というデコレーションしたものがあるみたい。僕のお弁当？もちろんキャラ弁だよ！　おにぎりがピック型(≧▽≦)。ってそのままじゃん(´･ω･`) 右：ジミ先生 物理の先生で科学部の顧問。エフェクター作りが趣味で、エレキのことはこの人に訊け！と評判。老けてみられるが実は27歳。日サロ通いが欠かせない。 解説／竹内一弘　マンガ／ Dobby.       今回は、コードネームを見ただけでそのコードの構成音がわかるようになるために、コードネームの仕組みを知ろう。   図1がコードネームの表記のルールだ。1度の位置にはそのコードのルートが入る。ルートとは一番低い音のことで、Cナントカというコードのルートは必ずC音（ド）だ。   1度の次に3度の音の状態を示すのだが、メジャー3度（M3）のときは何も表記せず、マイナー3度（m3）のときだけ「m（マイナー）」と表記する。つまり、3度の位置に何もなければそれはメジャーコード、mがあればマイナーコードだ。   右下は7度の場所で、コードに7度が含まれるときのみ使用する。7度には2種類あるのだが、マイナー7度（m7）のときは7とだけ書き、メジャー7度（M7）のときは文字通りM7と表記。この辺りはちょっとややこしい。   右上はテンション（後述）を示す場所。コードに9、11、13や、それ以外のテンションが含まれるとき、そのひとつひとつをすべて表記する。   5度を表記する場所がないが、5度は必ずコードに含まれているので表記する必要はないんだ。例外として、5度が♭や♯したときだけテンションの位置に表記する。仕組みさえわかればとても簡単なので、しっかり覚えよう。       コードネームはアルファベットと数字でできている。一番左にある大文字のアルファベットは音名なので簡単。図2でアルファベットの音名度数表記を覚えよう。   次に数字だが、これはテンションを表しているんだ。数え方はいたって簡単だけど、ちょっと慣れが必要だね。図3のように鍵盤で見るとわかりやすい。C音（ド）のテンションは、まず「C」を1として、白鍵を2、3……というように順番に数えていく。注意したいのは2はコードネームの中では7を足して9に読み替える。というのは、テンションはルートから1オクターブ以上離れた音を指すんだ。同じように4と6も7を足して11と13に読み替える。   次はオルタードテンションだ。これは黒鍵にあたる音のことで「レ」が半音下がる、つまり9が♭するから♭9。簡単だね。♯9も同じような考え方で「レ」が半音上がった音ということがわかるね。   このように、度数は1〜13で表され、9以上の音をテンションと呼ぶんだ。         分数の形をしたコードネームがある。基本的には分子のコードを弾くんだけど、一番低い音は分母の音（単音）で弾くというもの。最低音を指定するケースで使われるもので、分数コードと呼ばれる。   図4を見ればその仕組みは簡単に理解できるだろう。分数コードは図5のように3種類の表記があり、それぞれ呼び方が違うが意味は同じだ。出版社によって表記が違うのと、国によっても違うので、3つとも覚えておこう。...

クラシック音楽の名作を生み出した作曲家たちを、3分程度で読み切れる短い伝記としてご紹介します。しかし、どの人物もその人生を3分で語り尽くすことはできません。今回は代表的な9つの視点に絞ってご紹介しますが、より深く知ることで演奏にも大きな違いが生まれる瞬間があるでしょう。もしこの記事に物足りなさを感じたり、さらなる背景が知りたいと感じた場合、それは「学びの扉が開いた瞬間」とも言えます。ぜひご自身でさらに深く追求してみてください。 本シリーズでは、選曲や演奏に役立つ小さな手掛かりとなるように、そしてご自身の深い学びのきっかけとなるようご紹介していきます。第１回目で取り上げる作曲家は「ジョゼフ・モーリス・ラヴェル」です。     1．管弦楽の魔術師 ジョゼフ・モーリス・ラヴェル（1875年～1937年）は、フランスの作曲家。近現代のクラシック音楽における重要な人物の一人です。繊細で精緻な表現と、「管弦楽の魔術師」とも呼ばれた巧みなオーケストレーションで知られています。   2．「ボレロ」への注目 ラヴェルの最も有名な作品の一つ「ボレロ」は、単調で反復的なリズムが特徴的な曲で、彼のオーケストレーションの技術が光ります。この曲は世界中で数多くの演奏が行われ、彼の音楽がいかに広く受け入れられているかを示しています。   3．印象主義音楽の影響 ラヴェルはクロード・ドビュッシーと並ぶ「印象主義」の代表的な音楽家です。しかしながら彼は単に模倣することなく、よりよい音楽表現を求めて、音色や和声、リズムの巧妙な使い方が特徴的で、それは全世界の作曲家に大きな影響を与えることになります。   4．ジャズの影響を受けた作曲 ラヴェルは、20世紀初頭、アメリカで発展・流行したジャズにも強い影響を受けました。彼の作品『ラ・ヴァルス』や『ピアノ協奏曲ト長調』などには、ジャズのリズムやハーモニーが見られ、その先進的な音楽観が表れています。   5．フランス音楽界の「繊細な職人」 ラヴェルは常に自らの音楽を精緻に作り込んだことで知られています。彼は、音楽の細部に至るまで完璧を求め、作曲に非常に多くの時間を費やしたとされています。たとえば、彼の「ピアノ協奏曲」や「ダフニスとクロエ」などは、緻密な編曲と深い音楽的洞察が反映されています。   6．音楽と文学の融合 ラヴェルの作品には、しばしば文学や絵画からの影響が見られます。特に、詩的な感覚を伴った音楽が多く、彼の「マ・メール・ロワ」や「鏡」などは、絵画や詩のような表現力を持つ作品です。   7．ピアニストとしても活動 ラヴェル自身も優れたピアニストであり、特にソロ演奏においてその技術が注目されました。彼のピアノ曲は、作曲家としての卓越した音楽性を具現化したものとして、多くのピアニストに演奏されています。   8．晩年の健康問題と苦悩 ラヴェルは晩年、神経系の疾患に悩まされ、その影響で作曲活動が制限されることがありました。特に、記憶障害や運動機能の低下が見られ、これが彼の音楽にどのように影響したかについては多くの研究がなされています。   9．後世への影響と遺産 ラヴェルの音楽は、20世紀の音楽に多大な影響を与え、後世の作曲家たちに強いインスピレーションを与え続けています。彼の精緻なオーケストレーションと革新的なアプローチは、現在も多くの演奏家や作曲家にとって模範となっています。...

１人でギターの練習をしていると、知らぬ間に間違ったやり方をしているなんてことがある。言葉は知っていても、実際にどうやるか分からなくて、「変なクセがついちゃった！」な〜んて結果にもなりかねない。方向を間違うことはあっても努力だけは怠らないザセツ君と、ギター奏法の基礎を一緒に学んでいこう！     【プロフィール】 左：ザセツ君　（本名: 財園寺せつ夫） いよいよ学園祭本番！　町内会のみんなも観に来てくれるそうで、気合いが入ります。え!?音楽業界関係者も来るって!?　いやいや、その人はCDショップ「浜屋レコード」のご主人ですので！ 右：ジミ先生 物理の先生で科学部の顧問。エフェクター作りが趣味で、エレキのことはこの人に訊け！と評判。老けてみられるが実は27歳。日サロ通いが欠かせない。 解説／竹内一弘　マンガ／ Dobby.       練習やリハーサルで弦が切れたら、一旦演奏をストップして張り替えればよい。問題はライブ本番で弦が切れたときだ。本番で演奏を止めてしまうと観客もシラけてしまうし、せっかくのライブがぶち壊しだ。弦が切れても弾き続ける、これしかない！   切れるのはほとんどの場合1弦か2弦なので、ごまかしながらでもなんとか弾き続けよう。ブリッジをフローティングさせたアーム付きのエレキギターの場合はチューニングがかなり狂ってしまうので、例えばAメロに入ったら一旦、自分だけ演奏から抜けて数十秒の間に大まかにチューニングする。このようにしてその1曲を何とか乗り切ろう。   大切なのはその後の対応だ。曲が終わったらメンバーに弦が切れたことを伝え、ボーカリストに数分程度MCをしてもらうなどして時間を稼ごう。その間に素早く弦交換だ。気持ちは焦っているだろうけど、そこは表情に出さず、余裕のふりして手際良く弦を張り替えよう。   図1に対処と対策をまとめておいた。       アコギやレスポールなどトレモロアームがないギターは、弦が1本切れてもそんなにはチューニングは狂わないが、アーム付きのギターは目も当てられないほどチューニングが狂ってしまう。そのため、チューナーを使った素早いチューニングが必須となる。   最近はクリップタイプのチューナーを装着することが多いと思うが、それはギター本体の振動によってピッチを検出するものなので、ベースやドラムが大音量で鳴っている状況では動作が不安定になる可能性が高いので注意しよう。ライブで使うのに最も手軽なのはペダルタイプのチューナー。チューニング時にアンプからの音をミュートしてくれるので静かで確実なチューニングが可能。   または、ボリュームペダルかラインセレクターをエフェクターボードに組み込む方法もあり、据え置きタイプのチューナーを使いたい場合に有効（図2）。据え置きタイプのチューナーを直列でつないでいると、チューニング時にアンプから音が出てしまう。アンプの電源を切ったり、ボリュームをゼロにすることは本番中は避けたいので、ギターの信号をアンプとは別の経路に導くためのセッティングだ。       本番中に弦が切れることは冷や汗ものなので、まずはそうならないように日頃から対策しておくことも大切だ。使い古した弦は切れやすいので、本番前日には新しい弦に交換しておこう。次に弦とピックの相性も検討したい。日頃からよく弦を切るとしたら、もしかすると弦のゲージに対してピックが硬すぎる可能性もある。細い弦には柔らかいピック、太い弦には硬いピックが一応の決まりと思って大丈夫。ライトゲージの弦にHeavyのピックを使って目一杯ピッキングしたら、弦が切れる確率も必然的に上がる。   そして意外に見落としがちなことだが、本番でのモニターの状態もしっかりチェックしよう。自分のギターの音が聴こえにくい状況ではつい力一杯ピッキングしてしまうからだ。普段通りに弾けるように、本番前のリハーサルでギターの返し（モニターの音量）が適切かをしっかりチェックしよう（図3）。   最後に、もっとも無難な対策はスペアのギターを用意しておくことだ。これはギターを2本持っている場合に限るけどね。       多くの場合、弦が切れる場所はブリッジのサドル部分だろう。サドルには常に弦が乗っかっている状態なので、弦の溝ができるなどして表面が滑らかになっていないことがあり、そうなるとチョーキングしたときなどに溝に引っかかって弦が切れやすくなる（図4）。自分のギターのサドルの状態を見て、表面に溝があったり傷ができているなら交換したほうがよいだろう。また、弦のメーカーを変えてみるという手もある。...

今回は、“ドリアンスケール”と“ミクソリディアンスケール”という2種類のスケールをまとめて紹介する。どちらもメジャースケールを並べ換えて作られる代表的なスケールだ。それぞれどんなスケールなのかチェックしよう。 解説／浦田泰宏   今回覚える2種類のスケールは、前回取りあげたメジャースケール中の「ド」以外の音をトニックに置き換えて形作られる。各スケールの特徴とポジション、活用例を覚えよう。   譜例1（a）のドリアンスケールはメジャースケールの第2音（レ）をトニックとするスケールだ。マイナーキーで使われるスケールのひとつで、マイナーキーの暗さが中和された感覚が特徴。（b）のミクソリディアンスケールはメジャースケールの第5音（ソ）をトニックとするスケールだ。メジャーキーで使用され、メジャースケールよりブルースっぽい雰囲気を持っている。     図（a）は6弦10フレットのD音をトニックとするDドリアンスケール、（b）は6弦15フレットのG音をトニックとするGミクソリディアンスケールのポジション例。（a) は1〜2弦と3〜4弦が異弦同フレットの関係になる。（b）は5弦トニックのCメジャースケールと共通のポジションだ。     譜例2（a）はDドリアン、（b）はGミクソリディアンスケールを基盤とするリードフレーズの例。どちらも図のポジションを土台に作成している。それぞれ最後はトニックの音に解決する音使いだ。できれば譜例のコードの音を鳴らしながら弾くと、各スケールの持ち味がよくわかるはず。   （Go!Go! GUITAR 2019年2月号に掲載した内容を再編集したものです）   Edit：溝口元海   【関連記事】 弾いてナットク！すぐ使えるスケール入門　第1回　基礎知識＆ペンタトニックスケール   弾いてナットク！すぐ使えるスケール入門　第２回　メジャー＆マイナースケール   【ギター講座】をもっと見る → この記事を読んだ人におすすめの商品 アコースティックギターの教科書 エレキギターの教科書...

連載の2回目は、メジャーとマイナーの各キーのメロディーとコード全体の基盤となる、2種類のスケールを覚えよう。どちらも前回紹介したペンタトニックスケールに2個の音を加えた構造のスケールだ。 解説／浦田泰宏   “メジャースケール”は、誰にとっても馴染みがあるはずの「ドレミファソラシ」という7個の音で形成されるスケールで、メジャーキーのメロディーおよびコードの基盤として用いられる。前回紹介したメジャーペンタトニックスケールとの関連性も参考にしながら、構成音と使い方を覚えよう。   メジャースケールは、「ドレミソラ」という5 音で構成されるメジャーペンタトニックスケールに「ファ、シ」の2音をプラスした、7音構成のスケールだ。譜例1はC音をトニックとするCメジャースケールの例。「CDEFGAB」という音で形成され、各音は1stや2ndといった、トニックからの度数で表わすこともある。トニックの「ド」の音に解決する、明るくストレートでクセのないメロディー感覚が特徴だ。     まず、図1(a) のようなCメジャースケールの6弦トニックのポジションを覚えよう。「ドレミソラ」というCメジャーペンタトニックスケールのポジションを基準にすると、「ミの半音上（1フレット右）」にあたる「ファ」と、「ドの半音下（1フレット左）」にあたる「シ」の2音をプラスする。5弦と6弦のポジションは異弦同フレットの関係、2弦と3弦が1フレット違いの同形になる。 図1(b) は、5弦15フレットをトニックとするポジションだ。この位置では、1弦と2弦、4弦と5弦が異弦同フレットの関係になる。それぞれのポジションを覚えよう。     メジャースケールの活用例として、「Wherever you are」（ONE OK ROCK）の間奏のギターソロ（3：20〜）を紹介しよう。曲のキーはEメジャーで、譜例2のギターソロはEの音をトニック（1st）とするEメジャースケールを基盤に作られている。 1〜2小節目は、「E、BonD♯」というコードの構成音を中心とするアルペジオフレーズだ。1小節目の2弦7フレットはコード外の音で、9thのテンションにあたる。 3〜4小節目は半音チョーキングを使ったフレージング。3小節目は「3rd → 4th → 3rd」、4小節目は「7th → 8th（1st）→ 7th」と、いずれもEメジャースケール上での半音の音程をチョーキングとチョークダウンで連結している。 5〜6小節目は、Aコードの構成音とEメジャースケールの音を組み合わせたフレーズ。6小節目で半音チョーキングした「♭3rd（3rd...